(((NEOBARROSO)))

Midnattsol - The Metamorphosis Melody

2011-11-17T11:11:00.001-10:00

Lo he mencionado antes y lo vuelvo a recalcar eneste post: Midnattsol me gusta. Labanda noruego-alemana de nombre ‘Sol de medianoche’ (traducido al castellano), creada el 2003 y con ya 3discos en su haber, me gusta. Carmen Elise Espenæs, la rubia soprano siempre de blanco, vaya que megusta (a quién no! es hermosa y su voz para mí es de las mejores del género).
El estilodel disco THE METAMORPHOSIS MELODY (lanzado al mercado en Abril de este año) siguela línea de lo anterior creado por la banda, de carácter folk metal, con todoel aire nostálgico e introspectivo de lo gótico. No voy a especular más alrespecto, salvo que lo recomiendo y este mes se queda para deleite de todos...

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The XX – XX

2011-10-18T05:41:00.000-10:00

La banda londinense compuesta por Romy Madley Croft, BariaQureshi, Oliver Sim y Jamie Smith surge en el suroestede la isla allá por el 2005. De música sutil, absolutamente calibrada,pareciera que la timidez y una pesada carga de somnolencia fuera el mayorempuje de estos chicos de apenas veinte años en promedio. Todo el disco tieneuna concentración increíblemente cansina pero no por ello apelmazada o de fárrago,no estamos tratando aquí con aburridos snobs que decidieron cantar porque no habíamás que dar.
Este conjunto revela sin alzar en ningún momento la voz que entresentimientos de mirada callada y música mínima se pueden conseguir buenosdiscos como el homónimo que presento en esta ocasión. Todo el disco lleva unalínea absolutamente equilibrada, emparejada a la voz como susurrando, a lossonidos electrónicos y lo básico de la guitarra y demás acompañamientos. De airesoscuros y tristes, no es una música que destile alegría pero sí perfección enmuchos de sus temas, tal el caso de Crystalisedo Islands que son las que más me hanllamado la atención de esta –por lo pronto- primera entrega de The Xx. Sin másles dejo con los temas y un video introductorio. Por cierto, para losseguidores del blog: debido a percances con Mediafire y los derechos de autores que algunos links no están colgados, les pido tengan paciencia porque TODOS los discos que promociono en el blogpueden ser bajados, estoy solucionando esos inconvenientes por lo que ruegopaciencia a los interesados en oír la música. Gracias de antemano y disfruten!

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The Mars Volta - De-Loused in the comatorium

2011-10-01T06:44:00.002-10:00

La banda estadounidense, aparecida en EL Paso yconstantemente en reformulación, es una delicia. Su música, compuesta deenergía, renovación constante y una búsqueda interminable de formas, se puedecomprender dentro del género del rock progresivo, aunque la etiqueta quedacorta. Cedric Bixler-Zavala (vocalista) y elguitarrista Omar Rodríguez-López son los fundadores deeste proyecto que originalmente arrancó en Atthe drive-in, allá por el ‘93. La música básicamente es una secuencia demúltiples ritmos, esperas, retardos y frenesí.
El disco tiene la virtud de unapermanente sorpresa, la voz sorpresiva de Cedric, los sonidos casi etéreos o porratos cortantes dan una sensación de caída o elevación hipnótica, como más seprefiera. Anda muy recomendado y es un buen inicio para este octubre en queretomo las riendas del blog al fin!

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Hindi Zahra – Handmade

2011-08-20T11:04:00.001-10:00

No sé imaginar el cuscús o la paella cuando demúsica se trata. Pero este disco -literalmente “hecho a mano” (Handmade)- Zharaasí lo describe: amalgama de emociones y contrastes de jazz, folk, blues, rocky etcéteras consistentes que salpican como una comida. La marroquí canta enfrancés y tamazight (su lenguanatal bereber) en un primer álbum grabado íntegramente en un departamento queocupo para este fin por 3 meses.

Ganadora del Victoire de la musique y el Premio Constantin con estaentrega del 2010, la Zhara es una espera y promesa muy interesante. El disco essólido por la voz de Hindi, la continuidad de los ritmos en una columnavertebral constante que hace del disco un todo uniforme. Temas como “Kiss & Thrills” o “Beautiful tango” son un deleite. Altamenterecomendado, va a petición de Dante que lo reclamo con ansiedad, helo ahí.

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AMY WINEHOUSE - SELECCIÓN INMEDIATA (IN MEMORIAM)

2011-07-27T06:00:00.001-10:00

Amy es irresponsablemente única. Digna de absolución -a pesar de sus múltiples adicciones, exageradas peleas maritales, siliconas, tatuajes o ese peinado absolutamente estrambótico- solo por su voz. Nacida en Londres el ’83, inicia a los 13 años componiendo a guitarra y con el apoyo de una familia judía menoscabada en economía. Paseando por múltiples centros de estudios debido a su especial personalidad, cantaba en pubs con esa portentosa voz hasta que en el ’99 firma contrato con la disquera Island / Universal gracias a sus buenas puestas en escena y algunos demos. Su primer disco llamado Frank (2003) generó buenas expectativas y críticas en la escena inglesa.
Nominado a múltiples premios y ganador de algunos otros, el disco hacía augurar un futuro promisorio para la ya alocada Winehouse.

El 2006 aparece Back to Black con el que se corona en la escena internacional tras ganar numerosos Grammy’s reivindicando al personaje salvaje de su voz llena de blues, jazz y soul. Lamentablemente, su vida personal es una vorágine de conflictos, escenas y escarmientos que debilitan la incontenible carga de contralto que la Winehouse lleva consigo. Su voz es generosa, torrencial, llena de facetas y muy propia. Comparada con las divas más profundas del jazz y el r&b, Amy es una artista de enormes cualidades. No la criticaré como mujer, recalco que su vida debe respetarse más allá de solo decirlo, al margen que aparezca o no en las páginas de sociales. Aunque, lamento haber encontrado tantas fotos de ella en estados alterados de conciencia o parodias sobre su vestimenta, peinado o maquillaje. La Winehouse se defiende inmejorablemente con ese poderoso caudal acústico vocal y sus composiciones íntimas. He seleccionado los que considero son sus temas inmediatos para un acercamiento correcto a la voz y desarrollo de Amy. Van así:

NEOBARROSO - AMY WINEHOUSE - SELECCIÓN INMEDIATA

01.- Rehab

02.- Back to black

03.- Amy Amy Amy

04.- Stronger than me

05.- You know I'm no good

06.- Tears dry on their own (Live)

07.- Wake up alone

08.- I heard love is blind (Live)

09.- Just friends

10.- Love is a losing game

11.- Me and Mr. Jones

12.- Valerie

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Facundo Cabral - Homenaje barroso

2011-07-10T06:19:00.002-10:00

El cantautor argentino es y será para siempre unhito dentro de la música de autor y protesta latinoamericana. Falleció ayer víctimade un ataque de sicarios en Guatemala, a la edad de 74 años. Nacido argentino,su trayectoria e influencia recorre toda América. Su música se concentra en la reflexióny la exploración del humor y la realidad cantados a golpe de cuerdas ypalabras. Para mí es una profunda pérdida su dejar esta existencia. A cambio,dejaré que este mes sea exclusivamente de Cabral, de su constancia, de suenergía y la búsqueda de la armonía y la verdad que propuso en toda sutrayectoria musical y de vida.

Yo lo conocí allá por el 2000 (musicalmentehablando, claro está) y desde entonces no dejé de seguirle la huella. Él decía “mi nombre es Facundo Cabral, y ahí notermina la cosa…” y es así mi hermano, ahí nunca terminará la cosa. Hastasiempre Facundo Cabral…

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Textura --- Textura

2011-06-04T08:02:00.004-10:00

La banda peruana Textura es una genial representante de la música dark aún cuando recibieron una marcada influencia del new wave. Juan José Christopherson, Miguel Aragaki, y Raúl Góngora el ‘95 decidieron crear la banda, la que recién al año siguiente se presentaría oficialmente en la escena limeña. Iniciando con maquetas, el disco homónimo es una sólida muestra del género que en Perú no tuvo muchos exponentes. Según la banda, su música es la proximidad al pop con dosis de psicodelia y modern rock con la marcada influencia del wave, yo incluiría la recarga electro dark...

El grupo sacó el 2008 el disco llamado Planeador. En esta entrega resaltan temas como “En los escombros” o “Como estuvimos”. El disco es recomendado y es una petición de Art que exigía representantes peruanos en el blog.

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Thee Maldoror Kollective --- Pilot (man with the meat machine)

2011-06-04T05:54:00.004-10:00

Para este mes compartiré con ustedes a una de las bandas que más gratamente he llegado a conocer. Thee Maldoror Kollective es una formación italiana que inició allá por el ’98. La calidad de todo el conjunto es sorpresiva y muy atrayente: su música se centra en la innovación de los espacios y ambientes sonoros, se le considera básicamente avant-garde metal con una enorme influencia del black, electrónica e industrial pero creo que las etiquetas no concretan todo el concepto del grupo. El disco que este mes será estandarte, Pilot (man with the meat machine), es sumamente explosivo, lleno de cambios, noten los diversos enfoques que tiene cada tema...
Hay sonidos como desgarrados, envolventes, sueltos, pero con una línea constante y evolutiva, asemeja un viaje sin termino por las moradas del infierno y purgatorio, nunca cielo. Sinceramente lo considero una buena manera de introducirse al performance de los Maldoror. Está muy recomendado tal cual la agrupación italiana.

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Arctic Monkeys - Whatever people say I am, that's what I'm not

2011-05-20T05:38:00.002-10:00

El indie rock como alguna vez mencioné es un estilo que me apasiona y simplifica con un aspa gigante la tendencia actual del pop comercial asquerosamente vacío. Uno de los grupos de mayor relevancia es este que presento, los famosos Arctic Monkeys. Estos ingleses formaron el grupo allá por el 2002 y sus integrantes son Alex Turner (guitarrista principal y vocalista), el guitarrista Jamie Cook, Matt Helders (baterista) y Nick O'Malley en el bajo. Se resalta la voz de Turner pues es de las más descollantes de la escena británica en la que están ubicados como parte del post punk revival junto a las bandas Franz Ferdindad, Kaiser CHiefs y otros.

El disco que presento es el que inicia su carrera en la escena inglesa, hablamos del 2006. A pesar de ser criticados por su conducta, el grupo contrasta las censuras con una calidad musical que ya ha sido reconocida a nivel inernacional. Oigan el disco, temas como “Dancing shoes” o “When the sun goes down” son un deleite…

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Temple of the dog - Temple of the dog

2011-05-16T04:57:00.004-10:00

Temple of the dog es una apología a la amistad más allá de las cuestiones de la vida o la muerte. Grupo fundado en el ’90 por Chris Cornell (el mismo vocalista de Soundgarden y Audioslave), su existencia fue concebida exclusivamente para rendirle homenaje a Andrew Wood (vocalista de las bandas Malfunkshun y Mother Love Bone, muerto por sobredosis de heroína), gran amigo de Cornell. Para muchos desconocido, este grupo solo tuvo un álbum, el homónimo, que comprende 10 temas llenos de energía y con toda la potencia que caracteriza a la voz de Chris y combina a elementos de los grupos Soundgarden, Pearl Jam y Mother Love Bone.

Destacan canciones como Say hello to heaven o Call me a dog en los que la emotividad y el carácter del olvido y el olvidado fluyen al unísono. Es un disco sumamente recomendado y lo rescato del olvido por ser injustamente postergado por la masa sucia del consumismo y por tener una calidad sólida; es a mi parecer mejor –muchísimo mejor- que los tantos grupos asquerosamente pop actuales. Para el mes combina sin tristezas con una relajada caminata por las calles, mirando por la ventana mientras juegas Petria o cuando te tapas del sol con un premio nobel al regresar de la ciudad a casa o viceversa: suena genial la voz de Cornell sin sus aspavientos actuales.

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Virulo - Máximas virulentas

2011-05-09T07:41:00.003-10:00

Para sazonar esta semana no hay nada como la excelente música que hace Virulo. El cubano con nombre de pila Alejandro García Villalón, de profesión humorista y graduado de arquitectura tiene una chispa iluminada por Les Luthiers y es uno de los precursores del movimiento de la nueva trova cubana junto al Pablo, al Silvio y Noel Nicola. Su música se basa en lo cotidiano y el sarcasmo de lo humano, pienso que ha sabido combinar la trova cubana, lo saleroso de cuba, con el incontrastable cinismo y jolgorio latino americano. Es muchas veces bastante mordaz en diversos temas que repasa como con pinceles de ingenio humorístico (los que en realidad son de carácter serio). Actualmente radica en México. El compilado que presento tiene el mínimo que se necesita para vivir! Es altamente recomendado!

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EL MES DE PETRIA MUD: EL JUEGO

2011-05-05T07:59:00.006-10:00

Para muchos la diversión se compone de salidas a la calle, comprarse ropa, ver televisión, responder en foros de internet, comentar sus actividades y vivencias en el facebook, exponer sus vidas en el twitter o quedarse horas viendo cómo su personaje de rpg animado (en W.O.W., MU, Nostale y otros) aplica golpes y gana experiencia mientras lo visten y lo decoran como a una torta. Yo tengo la particularidad de leer: me apasiona. Y encontré en la red algo que combina leer con la pasión por los juegos de rpg (otra de mis aficiones xD). Este mes yo me divierto y quiero mostrarte con qué!
Se trata de los MUD’s. En este post dejo para la posteridad mi intención de que si lees este artículo te des por aludido cuando digo que juegues Petria. No te arrepentirás, tendrás diversión, amistad y mucho entretenimiento al personalizar tu personaje. Checa!
Repasa tu tiempo porque si eres de las personas que se apasionas con algo, definitivamente este juego te va a llevar bien lejos. Tiene todo! Y desde luego solo faltas tú para que te des cuenta de lo que hablo. Es gratis, es multi-usuario y sumamente sencillo cuando le tomas el hilo. Vamos allá!

Aquí te dejo lo básico para que te des de lleno: descargarte los archivos que a continuación verás de modo que leas el tutorial muy básico para introducirte al fabuloso mundo de Petria. Después debes descargar el programa para mejorar tu estancia en el juego (todo está detallado en el tutorial), luego descárgate el inventario (muy práctico y fácil de comprender) y finalmente la teoría de un PK. Anímate a pasarla bien! Dejo este juego muy recomendado porque jugarlo es de lujo y de especialistas!!!

TUTORIAL

ZMUD

INVENTARIO

SABIDURIA PK

PÁGINA OFICIAL

LES LUTHIERS - SELECTAS BARROSAS

2011-05-05T06:36:00.002-10:00

Este mes del trabajo voy a dejar de lado el trabajo y solo quiero sentirme tranquilo, relajarme. Es cierto, últimamente ando sin mucho qué hacer pero no me descuido ni de mis deberes ni de la buena música. Quiero que este Mayo sea de al menos algo de diversión y humor. Y nada mejor como empezar a reírnos con buena música: por ello Les Luthiers. Este conjunto es demasiado bueno: toda la producción de ellos (iniciada en el ’67) es implacable e impecablemente genial. No hay resquicios de falta de creatividad, efectos sintéticos o sobre esfuerzos cansinos. La calidad de los argentinos que iniciaron todo en los festivales de coro universitarios allá en la universidad de San Miguel de Tucumán es indiscutible.

Los integrantes actuales son Carlos López Puccio, Marcos Mundstock, Carlos Núñez Cortés, Daniel Rabinovich y Jorge Maronna. Ellos tienen la particularidad de crear sus propios instrumentos a partir de materiales caseros o en desuso y de allí proviene su nombre ya que Les Luthiers en francés significa fabricante de instrumentos de cuerda. Y bueno, he seleccionado en este compilado lo que considero es más representativo de la trayectoria de los queridos Les… disfrútenlo porque está de lujo!

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¿EN QUÉ MOMENTO SE ARREGLO EL PERÚ?

2011-04-12T16:55:00.001-10:00

Perú es una forma de decir hogar, familia, amistad, respeto, cariño, amor y sinceridad para mí. Debido a las épocas que vivo, presento un video (y un comentario explícito) donde la realidad humana del peruano está plasmada: lo lamentable y terco de mi país, lo salvable y la esperanza. Sencillamente es para repasar las razones para perseguir el futuro, no desanimarse y entender que en nosotros, los peruanos, está la solución para los problemas sin excepción, fórmula harto conocida pero poco aplicada. Espero que mis compatriotas lo usen para su vida personal y diaria. Es de verse…

LUCYBELL --- LO SELECTO VOL. 2

2011-04-08T10:52:00.004-10:00

Para culminar con la presente entrega del grupo chileno Lucybell es que dejo la descarga disponible del segundo compilado producido por Akubaretsu para Neobarroso. Este disco lleva el mismo sello revelador de lo más significativo de los álbumes de Lucybell, que desde luego son solo una forma de ingresar a toda la discografía de la banda. Agradeciendo a la colectividad fanática y al extraño Akubaretsu, se recomienda la descarga:

DESCARGA VOL. 2

LUCYBELL --- LO SELECTO VOL. 1

2011-04-03T18:05:00.008-10:00

Lucybell combina la genialidad de una composición aplicada a la venatoria del la locura y el delirio acariciados con la melodía oscura de la tendencia dark wave de los 80’s – 90’s tan necesaria hoy en día. La potencia de Lucybell es su música como conjunto, la creación de ambientes sonoros, la lírica personal o lúdica y la voz absolutamente característica, rotunda, enfática y gutural de Claudio Valenzuela. EL grupo, originario de Chile, se formó bajo la influencia del rock inglés de los 90’s y el new wave ochentero. Apareciendo en eventos universitarios, se presentaron como Lucybell allá por el ’91. Luego de trajines su música comenzó a escucharse dándose los discos en este orden:

· Peces, 1995.
· Viajar, 1996.
· Lucybell, 1998.
· Amanece, 2000.
· Lúmina, 2004.
· Comiendo Fuego, 2006.
· Fénix, 2010.
· Grandes éxitos, 2000.
· Todos sus éxitos, 2003.
· Aquí y Ahora (Lo mejor de) Lucybell, 2007
· Sesión Futura, 2001.
· Sesión Primitiva, 2008

Actualmente radican en México y los integrantes (muchos ya no están) son Claudio Valenzuela (voz y guitarra), Eduardo Caces (bajo) y Cote Foncea, (batería). En la presente entrega se compilan casi todos los discos de la banda, dándose énfasis a la creación e innovación de los ciclos de la banda. El compilado es una producción de Akubaretsu que gentilmente me brindó su conocimiento de la banda para poder complacer a los fanáticos (que no son pocos). Disfruten pues de esta muy buena selección de Lo Selecto de Lucybell (Volumen 1). Altamente recomendado.

DESCARGA VOL. 1

16 HORSEPOWER --- “HOARSE”

2011-04-03T14:24:00.004-10:00

16 Horsepower representa la medida justa entre la oscuridad de melodías y la revelación de una lirica sacra y sacrílega al instante. La voz de Edwards es definitivamente una de las mejores que he oído en mi vida, llena de sorpresas, fugas inhóspitas e hipnóticas (óigase su Back soul choir), un lugar en el que nos adherimos al asiento mientras David Eugene Edwards se retuerce, abraza con cólera el banjo y se desgañita con cada tema que parece arrancarse de sus entrañas. Conocí el grupo gracias al filme llamado Blush de Wim Vandekeybus que data del 2005. El filme es experimental, sombrío, repleto de escenas imaginarias donde se aprecian danzas y visceralidades humanas. Es un excelente filme que tiene como artista para los fondos musicales a Edwards.

Pero volviendo a 16 horsepower, es una banda ya fenecida, evolucionada –podría decirse- a Woven Hand (lo que significa que todavía y felizmente siguen tocando). 16HP se inició el ’92 con David Eugene Edwards y Pascal Humbert y la presencia de Jean-Yves Tola (miembros que iniciaron y culminaron la trayectoria de la banda el año 2005). Básicamente la música de los Horse's es insoslayable e inetiquetable: desde su contextura de góspel cruzada con country pasando por el rock & bluegrass amansado por el folk alternativo, la banda abarca lo que la voz de Edwards pueda entonar. De lírica religiosa y seriedad redentora, eran –o son- uno de los grupos mejor logrados de los que yo conozco.

Del año 2000 extraemos el disco denominado “Hoarse”, grabado en vivo. Adicionalmente para el deleite del oído atento he colocado 2 temas de estudio para que reconozcan la calidad de la banda tanto en un extremo como en otro. Disfruten este muy buen disco.

16 Horse Power – Hoarse

01.- American wheeze

02.- Black soul choir

03.- Bad moon risin'

04.- Low estate

05.- For heaven's sake

06.- Black lung

07.- Horse head

08.- South Pennsylvania waltz

09.- Brimstone rock

10.- Fire spirit

11.- Day of the lords

Bonus track - Black soul choir [from Sackcloth 'n' Ashes]

Bonus track - For Heaven's Sake [from Low Estate]

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KOOP --- “COUP DE GRACE” [BEST OF KOOP 1997-2007]

2011-03-04T04:54:00.002-10:00

La genialidad de Koop radica no solo en la apuesta que tiene de superponer en una médula viva de jazz las voces melódicas, samplers orquestados, hardbop y fusiones electrónicas contemporáneas en piezas casi milimétricas de ingeniería de sonidos; sino además en su asombrosa capacidad de sorpresa, de creatividad y fusión que no amordaza a la raíz original sino que se alimenta de ella para formar una nueva: el nu jazz. Este dúo sueco conformado por Markus Zingmark y Oscar Simonsson se formó en Upsala allá por el ’95.
Víctimas de una descarga incontenible de lucidez armónica, el nombre del grupo proviene de la condición de cooperación (Koop) y tienen de por medio cantantes colaboradores de gran nivel como se notará en este álbum que es una recopilación de 10 años de trayectoria, son los temas extraídos de sus discos predecesores: Sons of Koop (1997), Waltz for Koop (2002) y Koop Islands (2006). Koop se mueve en un aire de complicidad como el ritmo armónico de un péndulo agitado y la briosa marcha del electro sincrónico que lo persigue sin dejar de lado la capacidad de improvisación propia del jazz y los acompasados entornos de las voces privilegiadas y exactas. Todos los movimientos del disco son realizados con una minuciosidad brillante, es un conjunto exacto de temas rigurosamente concretos. Destellan “Come to me” (mi favorito), “Koop island blues” o el célebre “Waltz for Koop”. Un disco sumamente recomendado.

KOOP - COUP DE GRACE

[BEST OF KOOP 1997-2007]

01.- Koop island blues [feat. Ane Brun]

02.- Waltz for Koop [feat. Cecilia Stalin]

03.- Come to me [feat. Yukimi Nagano]

04.- Forces... darling [feat. Earl Zinger]

05.- Summer sun [feat. Yukimi Nagano]

06.- Let's Elope [feat. Mikael Sundin]

07.- Tonight [feat. Mikael Sundin]

08.- Strange love [feat. Hilde Louise Asbjornsen]

09.- Glomd [feat. Cecilia Stalin]

10.- Baby [feat. Cecilia Stalin]

11.- I see a different you [feat. Yukimi Nagano]

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DISCO SIN CENSURA: NEOBARROSO - PHONELIST VOL. V

2011-03-04T04:04:00.002-10:00

Gracias a la petición de un amigo y a las palabras de un grupo de bloggers es que he decidido retransmitir el disco PHONELIST VOL. V, considerado (extrañamente) como censurable. Júzguenlo antes de que se agote (o vuelva a ser réprobo)...

PHONELIST VOL. V

JUST JACK ––– “OVERTONES”

2011-03-02T05:54:00.001-10:00

El británico Jack Allsop (nombre real del artista) nos trae su disco llamado “Overtones” (2007). Entrega de una calidad apreciable, Allsop de funde en el pop dance, acid jazz y mucho electro en sus 13 temas. Resaltan considerablemente la creatividad y la soltura de cada canción, reconociéndose que el disco no es totalmente regular pero su conjunto demuestra una solidez que le permite ser recomendado. Yendo a los datos biográficos, nació el ’75 y lleva en su haber un disco más llamado The Outer Marker (2002) con el que debutó con mucho entusiasmo en la escena inglesa.

Just Jack nos permite una incursión determinante al género electro/techno pop y afines, tan solo con su voz de sintetizadores y ensayos maquinados en el sampler. Conocido por haberse iniciado en la cultura DJ y garaje a los 15 años, atravesó un proceso de aprendizaje desde niño cuando a los 8 años fue aspirante a break dancer. Destacan en la presenta entrega temas como “Writer's block” o el clásico “Starz in their eyes”. El disco ha sido solicitado por nuestro amigo XYZ, así que disfrútalo!

JUST JACK – OVERTONES

01.- Writer's block

02.- Glory days

03.- Disco friends

04.- Starz in their eyes

05.- Lost

06.- I talk too much

07.- Hold on

08.- Symphony of sirens

09.- Life stories

10.- No time

11.- Mourning morning

12.- Spectacular failures

13.- Untitled (hidden track)

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CARLA MORRISON ––– “APRENDIENDO A APRENDER”

2011-03-01T17:37:00.005-10:00

La voz de Carla Morrison está atiborrada de constantes fugas dulces, agudas y detonantes. Se concentra básicamente en el tono peculiar que tiene de cantar, ese estilo suelto y casi infantil de su timbre, esa manera de tonificar y cambiar a su antojo cada instante de lo que expresa. De una calidad apreciable, su música es interesante, subjetiva e intensa. Morrison apuesta por el estilo liberado de los entonos, recordándome en breves a la Bjork minimalista, secuencial. Se ve a la mujer niña Morrison retozando mientras celebra que puede cantar y ser a la vez lo que canta y es. Se ve a esta mexicana con toda su apariencia de timidez y misterio desaforarse íntegra con su guitarra pausada, el piano replicando y algunos acompañamientos extra para dar sazón a toda la variedad que trae su “Aprendiendo a aprender”, correspondiente al año 2009.

El disco es en sí de una calidad recomendable, con algunos altibajos, destacan temas como “No viniste” o “Buscando una salida”, pero el conjunto es buen complemento de todos y cada tema. La joven nacida en Tecate (Baja California) y ex integrante de la banda norteamericana Babaluca destaca por una sencillez tanto musical como personal. Los temas son de estirpe visceral, de la profunda vena emocional y sentimental, acoplándose a lo que podría ser el indie pop minimalista. Este disco va dedicado a la mujer que hoy en día me hace sentir que no se trata solamente de ser sino de estar siendo, que no se trata de vivir sino de hacer vivir y que las coincidencias son sumamente calculadas, exactas, bellas, son el pasado que se revitaliza en el presente y hace el futuro. Gracias por ser y permanecer a mi lado, Ivy.

CARLA MORRISON - APRENDIENDO A APRENDER

01.- Valentina

02.- Sintonías

03.- Buena malicia

04.- Nunca me dejes

05.- Esta soledad

06.- Lágrimas

07.- Hoy yo quiero

08.- Pan dulce [Radio Edit]

09.- No viniste

10.- Tragos de amargo licor

11.- Paloma negra

12.- Cómo es [Versión acústica]

13.- Una salida [Versión acústica]

14.- Buena malicia [Versión acústica]

15.- Amor burdel [Versión acústica]

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Elliott Smith es febrero con su "An Introduction To... Elliott Smith"

2011-02-06T16:04:00.003-10:00

La música de Smith es serena, discreta, contorsionada en emociones, opaca. Su música es personal, de comunicación introspectiva, vivencial y muchas veces influenciada por la depresión y la tragedia. De una vida dura y tormentosa no solo en el amor, se refugiaba en las adicciones de las que pocas lograba huir. El tránsito de su voz es susurrante, pausado y pocas veces cambiante de tonalidades. Hombre plural en el manejo de instrumentos, destacó en el uso de la guitarra hasta que a los 34 años apareció muerto de 2 puñaladas supuestamente autoinfringidas en el pecho.

Iniciado con el grupo Heatmiser, su carrera ha transcurrido con 8 discos como solistas, siendo este el último realizado no en vida del cantautor. De sonidos repletos de un ambiente de tristeza, en mi opinión es un cantante disparejo pero de gran interés por la profundidad de sus letras y la capacidad de renovar su estilo en determinados discos.

La presente entrega es una compilación producida por Kill Rock Stars/Domino Record de 14 de los principales temas que hicieron de Elliott no solo un cantante solicitado sino un retrato de la desesperada lucha contra los elementos de la naturaleza humana y la soledad. Gran parte de los temas emplazan a quedarse callado y mirar a través del silencio, meditar sobre aspectos de la personalidad y acaso la conciencia de lo triste y lo bello. Es un disco en mi opinión de 7.5/10, aún con todo, recomendado.

Elliott Smith - An Introduction To... Elliott Smith

01.- Ballad of big nothing

02.- Waltz #2

03.- Pictures of me

04.- The biggest lie

05.- Alameda

06.- Between the bars

07.- Needle in the hay

08.- Last call

09.- Angeles

10.- Twilight

11.- Pretty (ugly before)

12.- Angel in the snow

13.- Miss Misery (early version)

14.- Happiness + The gondola man

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THE VERVE y su laureado URBAN HYMNS

2011-01-13T13:49:00.006-10:00

The Verve es de esos grupos que no dejan de pasar desapercibidos por muchas circunstancias. Una de ellas es Richard Ashcroft. La voz de Ashcroft manipula hábilmente al oyente dejando en claro la potencia y energía de la música de la que no es solo mera compañía. Considero a Ashcroft una de las mejores voces masculinas de la década pasada, quizá la más destacada aunque evidentemente tiene altibajos (sobre todo como solista). Pero decía, The Verve es el grupo de los 90’s para Inglaterra. Y este disco, el Urban Hymns, es la más alta escala representativa de lo que ha sido una época clave llena de influencias y nuevas tendencias. Básicamente, el disco es un logro perfecto. Sus trece temas trascienden lo antes realizado por Ashcroft y compañía (llámese la atmosfera semi psicodélica y oscura de sus álbumes anteriores).

The Verve, luego de una ruptura corta, logra que Urban Hymns catapulte no solo al grupo sino a toda la corriente brit pop en conjunto al mundo entero, recapitulando que no se necesita seguir la corriente de ese entonces llena de esperpentos y lugares comunes, para ser y hacer algo importante. Característicos de este disco son la voz inconfundible de Richard, los tiempos y sonidos de orquestación y la guitarra inacabable de Nick McCabe. A pesar del tiempo, las drogas, las desapariciones espontaneas y las convulsiones de conducta de los miembros, el grupo formado en Wigan el ’89, sobrevivió a los embates de la molicie musical de su tiempo y posterior, entendiéndose así cómo es que hasta hoy repasar el Urban Hymns es adentrarse a un viaje sumamente gozoso. Todos sus temas son realmente sobresalientes, pero evidentemente destacan algunos por el doble filo del gusto mediático, lo cual no desmerece la calidad de los temas. Para mi gusto, los temas indispensables son The drugs don't work y Sonnet, pero claro, todo el disco es una agridulce sinfonía, digna de un Lucky man.

Como nota curiosa relato lo que dijo Ashcroft debido a la controversia del tema "Bitter Sweet Symphony" al respecto de su autoría (pues, el riff de la canción pertenece al tema de The Rolling Stones llamado “The last time”, el cual fue cedido a The Verve al inicio bajo ciertos cánones que luego fueron cambiados para que Mick Jagger y Keith Richards –autores del riff- se quedaran con el 100% de las ganancias), literalmente: "esta es la mejor canción que Jagger y Richards han escrito en los últimos 20 años" (según cadena cultural Wikipedia).

El disco llega gracias a la solicitud y aporte de un buen amigo, X. Espero lo disfrutes.

THE VERVE - URBAN HYMNS

1. "Bitter Sweet Symphony" – 5:58

2. "Sonnet" – 4:21

3. "The Rolling People" – 7:01

4. "The Drugs Don't Work" – 5:05

5. "Catching the butterfly" – 6:26

6. "Neon Wilderness" – 2:37

7. "Space and Time" – 5:36

8. "Weeping Willow" – 4:49

9. "Lucky Man" – 4:53

10. "One Day" – 5:03

11. "This Time" – 3:50

12. "Velvet Morning" – 4:57

13. "Come On" – 6:53 – (sin Deep freeze, track oculto)

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Compilado PERÚ BACKUP VOL. 1

2011-01-13T07:26:00.001-10:00

Perú Backup es mi regalo a ese público que desconoce o pasa por alto la producción peruana en el hecho del rock y demás ponencias de la música. En esta entrega recorreremos nombres poco conocidos, sonidos que no estarán recorriendo emisoras radiales o voces que no son –felizmente- las que se oyen en los buses. Desde el consistente rock, la fusión, el ska asomando y mucho de creatividad, la entrega es bastante sólida. Artistas ya conocidos como Catervas, La Sarita o Daniel F. se entrelazan con los acaso novísimos Olaya Sound System o Las amigas de nadie, a la par que se codean sonando junto a los ya fenecidos y extrañados Huelga de hambre o Metadona.

Esta primera entrega es un aporte semi-desesperado por recompensar años de música sin restricciones, de castellano denso enmarcado en el acento nativo, de soltar como naipes al aire las canciones más representativas de algunos buenos años y sus consecuentes recuerdos. Lo dejo muy recomendado y dedicado a María de Lourdes que tanto escándalo me hizo por más de un mes... ahí está!

PERÚ BACKUP VOL. 1

01.- Catervas – Garabatos

02.- Las amigas de nadie - Clones de pan

03.- Cementerio Club - Barco viejo

04.- Barrio Calavera - Mi cielo

05.- Metadona - Perder el tiempo

06.- La Mente - Grandes éxitos (Les desea La Mente)

07.- Daniel F - El misterio de las astillas

08.- Mi jardín secreto – Lima

09.- Inyectores - Texturas (Soda Stereo cover)

10.- La Sarita - Viento (Chacalón cover)

11.- Huelga de hambre - Aún me tienes (en vivo)

12.- Olaya Sound System - Los Olayas

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Artista de Enero: RELIGIÓN y su disco ALGUNOS CUENTOS Y OTRAS TEMPESTADES...

2011-01-13T06:08:00.004-10:00

No salí de mi asombro sino pasados como 10 minutos, luego de saborear cada tema a la volada. Posteriormente me di el tiro de gracia reoyendo y repasando por más de 1 hora y a volumen alto los 9 temas de la banda cordobesa llamada Religión. Yo los recuerdo gratamente pues fueron lo primero que tuve a mano de la música dark. Y sinceramente fue un sensacional acercamiento. El grupo es del ’87, conformado por Jorge Luque (bajo), Jesús Astorga (voz), Fermín Gómez (batería), y Manuel Carrillo (guitarra), su primer y único L.P. (sí, un long play) es este que presento, una verdadera joya del género. Lamentablemente postergados debido a la exacerbación y creciente auge del mal gusto, tengo entendido que aún realizan conciertos en España.
Muy sugeridos en la escena latinoamericana, son de los precursores de las melodías sincretistas y letras íntimas, derivadas de reflexiones y comunicaciones sin lugar a las emotividades cursis. La voz de Astorga y la guitarra de carrillo son dignas de consideraciones. El disco es sumamente recomendado y va para los fervientes coleccionistas de esta metrópolis mundial. Es, como diría un crítico, un disco de temas redondos.

RELIGIÓN - ALGUNOS CUENTOS Y OTRAS TEMPESTADES…

01.- Día lluvioso

02.- Si tú estuvieras aquí

03.- Mirando el fuego

04.- Oslo

05.- En el refugio

06.- Cuando el rumor del viento

07.- La casa de los héroes

08.- La ceremonia

09.- En la cola del zorro

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CESÁRIA ÉVORA - SODADE VOL. 2 (Compilado)

2011-01-09T10:36:00.003-10:00

Para esta segunda entrega presento a una Cesária menos cáustica y más bien jacarandosa, alegrona. La morena nos da ahora la oportunidad de poder disfrutar de su voz al lado de algunos representantes de la música del mundo, además de presenciar la transformación a chill outs de sus temas. Con una carrera que lleva ya un premio Grammy al Mejor álbum de world music contemporánea y más de 14 discos en su haber, es una diva que merece reconocimiento y consideración, todo lo cual es la pretensión de mis compilados.

CESÁRIA ÉVORA – SODADE VOL. 2

1. Lágrimas negras (5:01)
2. Tudo tem se limite (4:35)
3. Africa nossa (3:53)
4. Regresso (3:34)
5. Tchinchirote(3:14)
6. Quem bô ê (2:20)
7. Avenida Marginal (2:57)
8. Cinturão tem mele (3:35)
9. Nho Antone Escaderode (3:47)
10. Beijo de longe (4:02)
11. Sodade (5:51)
12. Mae velha (4:45)
13. Carnaval de Sao Vicente (Jazzy Carnival mix) (6:25)
14. Sangue de Beirona [Main Pass by François K.] (8:22)
15. Bésame mucho (Señor Coconut's Chachacha remix) (3:49)

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CESÁRIA ÉVORA - SODADE VOL. 1 (Compilado)

2011-01-09T10:11:00.005-10:00

Cesária Évora es de esas mujeres que aparecen en tu vida para ser imborrables, inviolables, intocables. Sucede que te cansas de oír lo acostumbrado, sucede que alguien sopla y sientes nuevo el aire. Y muchas veces la compañía se presta para que se introduzca lo inesperado. Cuando era el 2000 acostumbraba escuchar un programa de radio en que lo bizarro era el tinte común de cada día. Era -sinceramente- novedoso para esa época en que lo mucho que se gritaba en las demás emisoras asqueaba, había una singularidad exquisita cada vez que me aislaba para ser solo yo y la radio. Por ese entonces yo me había encaprichado con el dark y algo del electro. Pero un martes ese programa nocturno dio un giro que me sorprendió de sobremanera. Resulta que luego de una canción gótica apareció esta señora con su tema clásico, Sodade, para reinventar el estilo de lo que hasta ese momento pretendía sentir en mis oídos. La negra soltó su voz de bajón frío, de tormenta repentina, de empujón rotundo.
El sabor de su idioma portugués, el hecho de desconocer al inicio que se trataba de una mujer, la extraña calidad de su entono, lo visceral de su música, los comentarios de los animadores del programa, no hicieron sino empecinarme para conocer de dónde aparecía esta señora descalza y abatida. No pasó poco tiempo de mi indagación, de hecho era difícil dar con su rastro como hasta ahora y tuve que esperar algo de 2 años hasta que al fin pude coleccionar buena parte de su discografía.

Cesária es de Sao Vicente, isla perteneciente a Cabo Verde. Cultivadora de la morna, es conocida como “la diva de los pies descalzos” por presentarse sin zapatos en sus conciertos en solidaridad con la gente humilde y menoscabada en economía de su país. Resalto indudablemente que su música es muy agradable, mayestática, llena de una recarga emocional que abruma. En esta primera entrega presento a una Cesária meditabunda, de ritmos y compases oscuros, tristes. Sus letras, mayormente inspiradas en la historia amarga de su país y la evolución cultural de su linaje, son sumamente íntimas, melancólicas, detonantes.

CESÁRIA ÉVORA – SODADE VOL. 1

1. Sodade (4:53)
2. Um pincelada (A brushstroke) (3:28)
3. Barbincor (4:01)
4. Desilusao dum amdjer (5:38)
5. Nha cancera ka tem medida (3:53)
6. Papa Joachim Paris (4:36)
7. Milca ti lidia (4:17)
8. Petit Pays (3:48)
9. Carnaval de Sâo Vicente (3:49)
10. Sabôr de pecado (4:43)
11. Vaquinha mansa (4:49)
12. Coragem Irmon (6:28)
13. Sabine largam' (3:09)
14. Perseguida (4:51)
15. Sangue de Beirona (3:35)

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DISCO CENSURADO: NEOBARROSO - PHONELIST VOL. V (RELOAD)

2011-01-03T16:27:00.023-10:00

A solicitud de un amigo mío interesado en saber las razones (según yo ridículas) de tal censura, es que relanzo este exquisito compilado:
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Andrés Calamaro - El calamar enamorado (compilado)

2010-12-05T12:27:00.003-10:00

Gracias a una colaboración especial de Art es que presento este compilado de las canciones más reveladoras de Calamaro. El amor, la decepción, la desesperanza y demás son los entretejidos de la lírica de esta entrega. Calamaro se regodea y salpica en toda su emotividad con esa voz narcotizante, son 20 temas adoloridos y dolorosos, quizá los más simples y conflictivos. Aún cuando no gusto de Calamaro, he de confesar que el disco está muy bueno. Calamaro es un artista importante e interesante. De vena prolífica, es reconocido por participar en grupos como Los abuelos de la nada y Los Rodriguez, fuera de su conocida faceta de solista. Música disparejo en su producción, compuso su primera canción a los 10 años. Ha participado en algunos filmes como actor de reparto, en cortos y en televisión.

Andrés Calamaro - El calamar enamorado

01.- Paloma

02.- La mirada del adiós

03.- La parte de adelante

04.- Algún lugar encontraré

05.- Aquellos besos

06.- Todo lo demás

07.- Ansia en plaza Francia

08.- Cuando te conocí

09.- El día de la mujer mundial

10.- Los aviones

11.- Mi propia trampa

12.- Negrita

13.- Naranjo en flor

14.- No son horas

15.- Te quiero igual

16.- Dulce condena

17.- El novio del olvido

18.- No me nombres (feat. Javier Calamaro)

19.- Tu pavada

20.- Lorena

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Fiona Apple - Lo elemental de ella

2010-12-01T00:00:00.004-10:00

Para hablar de Fiona Apple debería recorrer el pasado y rescatar el cómo la conocí. Pero la aproximación que da su presencia simplemente es el encanto y ya quiero ir al grano con la música. La característica de la Apple es sin lugar a duda la versatilidad de su voz, el terrible poder de sus composiciones y la energía del múltiple transcurrir del jazz al rock alternativo o al pop en un mismo tema. Y su belleza de mujer. Difícilmente catalogable, Fiona nació en Nueva York el ’77, hija de artistas, su primer disco es el denominado Tidal que arrancaría con simples demos a sus 16 años. Sencillamente devastador. De una juventud caótica y algo conflictiva en su desarrollo, es estrictamente vegana. Su segundo disco se denomina When the pawn… (1999), como abreviatura del real título y poema de Fiona que dice:

“When the Pawn Hits the Conflicts He Thinks like a King What He Knows Throws the Blows When He Goes to the Fight and He'll Win the Whole Thing Fore He Enters the Ring There's No Body to Batter When Your Mind Is Your Might So When You Go Solo, You Hold Your Own Hand and Remember That Depth Is the Greatest of Heights and If You Know Where You Stand, Then You'll Know Where to Land and If You Fall It Won't Matter, Cuz You Know That You're Right”.

Ya para el 2005 encontramos a una Fiona madura, con un estilo sólido y de carácter propio, muy marcado en la experimentación, dándonos el Extraordinary Machine que como anécdota fue prácticamente distribuido en su totalidad por mp3’s en la web. Actualmente no se ve a la vista producción alguna de Fiona salvo por las presentaciones en vivo, pero fuentes de Billboard señalan que el 2011 la Apple reinicia el ataque (algo muy esperado por mi persona tras tanto silencio desde su último álbum). La selección que propongo es un transcurrir por todos sus discos y trayectoria, desde la nostálgica similitud al silencio hasta los embates más agresivos de la voz de la Apple, todo alcanzable si estamos atentos a una de las mejores voces de estos últimos años, ella:

Neobarroso - Fiona Apple - Lo elemental de ella

01.- Sleep to dream

02.- To your love

03.- Please please please

04.- Better version of me

05.- Limp

06.- On the bound

07.- The way things are

08.- Fast as you can

09.- Used to love him

10.- Oh well

11.- Window

12.- Shadowboxer

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CAT POWER – JUKEBOX

2010-11-15T12:18:00.001-10:00

Charlyn "Chan" Marshall nació en el enero del ’72. Es Cat Power tras abandonar los estudios, tras encontrarse con la música. De padres divorciados, la norteamericana desarrollo desde el ’96 una trayectoria personal y de características muy íntimas. Su música engloba las tendencias del folk, soul, country e indie rock de una manera asombrosamente brillante, a la par de la experimentación que ha dado progreso a cada nueva entrega.

El disco que presento es el octavo de su trayectoria. Es una producción de, en su mayoría, covers (salvo por 2 temas: Metal Heart y su Song To Bobby) donde se demuestra la enorme versatilidad y conducta de la voz de la Marshall. Transcurrimos por entregas recargadas de oscuras y nostálgicas visiones, acompañadas por excepcionales músicos como Jim White (The Dirty Three), Judah Bauer (Jon Spencer Blues Explosion), Matt Sweeney o el veterano maestro Spooner Oldham. La compilación va así:

Tema principal de “New York, New York” (popularizado por Frank Sinatra y Liza Minnelli)
Ramblin´ (Wo)man (genial versión de la de Hank Williams)
Metal Heart (propia de Cat Power)
Silver Stallion (originalmente de The Highwaymen).
Aretha, Sing One For Me (originalmente interpretado por George Jackson)
Lost Someone (James Brown)
Lord, Help the Poor and Needy (Jessie Mae Hemphill)
I Believe In You (Bob Dylan)
Song To Bobby (Cat Power cantándole al Dylan)
Don´t Explain (Billie Holiday)
Woman Left Lonely (popularizado por Janis Joplin)
Blue (Joni Mitchell)

Y como grato bonus, el sello Matador Records incorpora cinco versiones adicionales:

201. I Feel (Hot Boys)

202. Naked If I Want To (Moby Grape)

203. Breathless (Nick Cave)

204. Angelitos Negros (oída en voz de Roberta Flack, interpretada mejor por Pedro infante)

205. She’s Got You (Patsy Cline)

Sin lugar a dudas recomiendo muchísimo este Jukebox de Cat Power: es una joya sonora, dando énfasis en temas como Ramblin´ (Wo)man o su genial versión de Angelitos Negros .

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JONNA ENCKELL (SIREN ON) - PIANO SPARKLING

2010-11-14T05:07:00.003-10:00

Jonna transporta. El piano viaja a la par que su voz mientras el disco transcurre por 12 temas de la compositora sueca. Las melodías emotivas, el piano desgarrador o clásico, el entorno proyectado por las sinfonías: todo es preciso, precioso. Elaborado enteramente por ella, desde la producción de estudio hasta la ejecución de las melodías y letras, el Piano Sparkling es una muestra de la rotunda genialidad de Enckell. La combinación de instrumentos clásicos como el piano (su segunda voz), el violín con la percusión y la voz acompasando todo giro (su voz desde lo simple pronunciado hasta los toques de ópera), hacen del disco una amalgama de virtudes y sensaciones. Mujer aplicada desde los cortos años a la música clásica y el piano, actualmente destaca como vocalista del grupo de Death metal The Project Hate MCMXCIX. Esta primera entrega de la hermosísima cantante es absolutamente recomendada y se encaja dentro de los rótulos de folk clásico, ella llama Siren On a este proyecto vocal. Yo la amo, es atractiva en todo sentido.

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COMENTARIO: BANKSY y su opening de LOS SIMPSONS

2010-11-06T17:35:00.007-10:00

Esto debí publicarlo en su momento. Pero nunca es tarde. Pienso. Es lamentable comprender y asimilar la degeneración y torpeza en que deambula la raza humana. Verla es innegable e indisoluble, conduce a nada conocerla, es nada sospechar que puede no ser. Apenas abiertos los ojos choco con una realidad tan perversa que no sirve menospreciarla. No alcanza el menosprecio. Hay quienes acuden a ella y la acercan a todos reinando en una estúpida carrera contra otros donde al final son solo marionetas del consumo. La raza humana no se inmuta ante la muerte, la tortura, el hambre, la miseria, la destrucción ni de los similares ni de los seres que habitan con nosotros. Hace muchos años que vengo observando cómo soy parte de un organismo sumamente letal, corrosivo. La vida como la conozco no es vida. Esta vida no pertenece a lo que significa ser un ser y vivir como en realidad el término vivir exige. La palabra involucra tanto y tan poco, al parecer es vestigio de lo que alguna vez condicionó a nuestro pasado a realizar el presente, lo que somos en el fondo, casi nada.

He repasado nuevamente el video del comienzo del capítulo de The Simpsons emitido en Estados Unidos el 10/10/2010. Saben? Siempre he tenido confianza en la raza en la que he nacido a condición de intentar algo por ella. Este sueño sumamente inhumano no me alcanza para soportar la realidad. Pues no puedo hacer nada por ella y ella no tiene razones para querer hacer algo. Desde que tengo uso de razón he convivido con la tristeza que involucra ser el monstruo más grande del planeta, ese babeante e inteligente, al que no le bastan las cosas enormes que tiene, el luchador, el que aspira a más, el que lo quiere todo. Y su codicia es demasiado grande, perdida está de lleno toda reacción emocional crítica y sentimental contra la mole que somos, que nos han enseñado a ser.

Básicamente el punto de mi soflama inicia del opening a los 36 segundos. No narraré lo que se ve entonces. Pero quiero aquí comentar mi indignación no de ahora, sino de toda la vida por lo que soy y en general somos todos. Desde lo sencillo de la alimentación carnívora hasta la psicosis destructiva del asesinato sin motivo, el género se mueve en un oscilograma de inestabilidad al borde del caos. Esto no es nuevo ni necesario recalcarlo. Es más bien, evidente. Lo único claro es que somos la más ignorante de las bestias, si el término “ignorancia” cabe para las afecciones espirituales y éticas. Incluso lo espiritual y ético son tan manipulados que no sé en qué apoyarme para admitir que no confío en el futuro de este mundo con la actual tarifa de pago que damos para existir. Me refiero a lo que involucra nuestra cultura de hoy, lo que es el hacer de nuestra vida algo. Pienso incluso que saber sobre la tortura, la miseria, la devastación de vida, la violación de derechos, las innumerables aniquilaciones y demás joyas que la humanidad cultiva no sirven de nada a nadie: todo el mundo conoce la realidad del planeta: nadie hace algo para solucionarlo. Y los pocos que hacen algo no son más que algunos pocos. Estadísticas esperanzadoras de soñadores como yo. No existen deseos salvadores reales y activos. No hay una voluntad universal. Existe por el contrario una inmensa manipulación, una enorme atracción hacia lo sórdido y descaradamente esperpéntico, justificado claro por el hecho de que estamos acostumbrados a todo esto.

Leo, repaso, comento lo que veo. Lo de los simpsons es solo uno de tantos sabrosos e incisivos avisos admitidos por los que no pierden nada con denuncias ni levantamientos sectorizados. Recibo cada día innumerables mensajes sobre lo que sucede a lo largo del mundo: desde asesinatos humanos, de animales, de bosques, y su contraste en la alabanza a un dios que admite todo esto con sabiduría y lógica: elementos que la raza humana está perdiendo con rapidez y mística. Y a pesar de mi indignación, como. Y a pesar de que siento lástima de mí mismo y de todos, vivo. No sé si quejarme o simplemente negar todo. A la larga tantos intentos quedan como una buena intención y los tachos están repletos de eso. Todo sigue igual, todo es vano. Todo. De qué sirve entonces tu esfuerzo, mi esfuerzo, todos los esfuerzos? Al final todas las abominaciones son permitidas, lícitas, saboreadas y bendecidas con dios o sin él. Salvo error u omisión. Porque pienso mucho en que si acaso no estuviera leyendo o escribiendo esto o tú repasándolo, tal vez estuviéramos viviendo lo que no vivo o vives pero es y existe y a nadie le importa si no le pasa. Pero es vil, es humano.

MELODY GARDOT es la artista de Noviembre con su "MY ONE AND ONLY THRILL"

2010-11-01T18:09:00.002-10:00

La Gardot tiene algo. Su voz apacible, curvilínea, destinada a los salones o las cornisas para ver el paraíso, alguna lluvia, los besos, me gusta. Nacida en Nueva Jersey, es de las prominentes y sobrias voces de 25 años que marca una diferencia y asegura una generación de jazz espectacular. Atropellada a los 19, como si fuera un mito, esta circunstancia la motivó a componer, a tocar la guitarra, a desasirse del malestar cantando. Y lo hace hasta hoy en una forma única. El disco que presento es su última producción conocida, del 2009. Repleto de aires de la bossa nova, folk y desde luego jazz, el broche de su voz imprime en cada tema una rutilancia necesaria. Lo dejo muy recomendado y sin más retórica van los temas, pero antes un videíto!

MY ONE AND ONLY THRILL

1. Baby I'm A Fool 3:31

2. If The Stars Were Mine 2:49

3. Who Will Comfort Me 4:56

4. Your Heart Is As Black As Night 2:42

5. Lover Undercover 4:25

6. Our Love Is Easy 5:28

7. Les Etoiles 3:18

8. The Rain 3:22

9. My One And Only Thrill 6:11

10. Deep Within The Corners Of My Mind 3:19

11. Over The Rainbow 4:33

12. If The Stars Were Mine (Orchestral Version)

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NEOBARROSO presenta el compilado PHONELIST VOLUMEN IV

2010-11-01T11:45:00.001-10:00

Para este nuevo mes, traigo la recarga de indie rock con algunos grupos conocidos y otros que merecen definitivamente audiencia y desapego de las cocheras. En esta entrega he procurado recoger artistas no muy reconocidos como Deleted Scenes, Hoy Polloi y contrastarlos con los ya clásicos Beck o Big Wreck, dándose los encuentros con temas realmente geniales. El íntegro del disco reclama la búsqueda de los artistas y sus trayectos musicales. Está de lujo.

Neobarroso - Phonelist Vol. 4

1.- Blue October - Ugly side

2.- Hoi Polloi - Big Fat Happy Day

3.- Brendan Canning - Hit The Wall

4.- 8mm - No way back

5.- Jellyfish - That is Why

6.- Civil Twilight - Letters from the sky

7.- Beck - Cellphone's dead

8.- Deleted Scenes – Ithaca

9.- Cold Beverage - G Love and Special Sauce

10.- Beachcomber – Pomegranates

11.- Incubus - Drive (acoustic)

12.- Big Wreck - That song

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NEOBARROSO presenta THE BEST OF STABBING WESTWARD

2010-10-29T16:32:00.004-10:00

Stabbing Westward me gusta. Me gusta la voz de Christopher Hall cuando se despliega desde lo más cómodo del canto hasta los gritos más agudos y violentos. Me gusta recordar cuando los oí en los 90’s, el 2000, hace unos días en las radios de internet. Me gusta sentir como se irradia la fuerza de las guitarras y el embalaje destrozado de la batería. Y tengo razón. La banda nacida en Chicago el ’85 tiene todo ese aire del rock industrial que le imponen los críticos, pero también la fuerza electrónica, la impronta del sintetizador. Compuesta por el ya mencionado Hall en la voz y bajo, inició con Walter Flakus en teclados y Jim Clanin en las guitarras, para luego dar paso a Chris Vrenna en la batería (baterista de Nine Inch Nails). Cambientes de integrantes, mantuvieron un estilo propio hasta la disolución del grupo el año 2002. Iniciando el ’92 con su E.P. vinilo llamado “Iwo Jimma” (de 3 temas hoy por hoy muy difíciles de hallar en la versión original), continuaron su trayecto con el disco Ungod del año 1994, Wither Blister Burn & Peel del ‘96, Darkest Days del ‘98, el disco homónimo Stabbing Westward del 2001, The Essential Stabbing Westward (para mí el disco más íntegro) y What Do I Have to Do?, ambos al año de disolverse el grupo pero de distintas disqueras.

La presente entrega recopila lo que para mí es lo más suculento de esta banda estadounidense. Son 18 temas seleccionados de todos y cada uno de sus discos y algunos recogidos de ediciones especiales para soundtrack. El repertorio sigue así:

THE BEST OF STABBING WESTWARD

1.- So far away

2.- Nothing

3.- What do I have to do

4.- How can I hold on

5.- Torn apart

6.- Save yourself

7.- Wasted

8.- Dawn

9.- Haunting me

10.- Falls apart

11.- Sleep

12.- I'm guilty

13.- The thing I hate

14.- Happy

15.- Bizzarre love triangle

16.- Slipping away

17.- Inside you

18.- Shame

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NEOBARROSO presenta el compilatorio LA PANDILLA BASURA (en memoria de Dark Luis)

2010-10-26T17:06:00.002-10:00

La primera vez que oí radio Panorama fue cuando era muy joven. No tenía deseos del estudio, era sábado. Y al prender la radio y oír música opuesta al común denominador de lo acostumbrado en calles, plazas y buses, me sentí sumamente motivado, engreído. Pasado el tiempo, mi afición por la radio y la música que proponía hicieron de mí un buscador incansable de ritmos y melodías y grupos. El internet contribuyó junto con sus foros, páginas de búsqueda y demás, en incrementar la curiosidad y satisfacer mis demandas. Pero hubo programas en Panorama que sí destacaban, hacían la pauta para el oyente. Uno de esos programas era Other Voices. Conducido por Luis Cuadros, el programa sumergía en incontenibles descargas y tocadas desconocidas al inicio, ritmos oscuros, melodías y voces de nombres nuevos, tendencias extremas, alternas, no comerciales. Pero no incidiré más en ello. Lo triste es que Panorama no es lo que era. Y Dark Luís ya no es tampoco. Yo lo conocí gracias al tema denominado Roja de los Ultra Pop, el cual estaba contenido en el compilatorio La Pandilla Basura, producto del esfuerzo de grabar bandas en computadora por parte de Carlos Velásquez, llamado el Buitre, allá por los 90’s, en Lima. El curioso disco está repleto de samplers y rock experimental acompasado de sonidos electrónicos bastante nuevos para la época en que salió al mercado en formato físico (hartos de los mp3’s). El curioso trabajo de escanografía del título de la entrega junto con los curiosos temas que componen el proyecto, hacen del disco una suerte de joya para esos años y el presente. Yo gracias a Luís tuve el disco, la canción que por años me retorcía el cerebro, Roja. Y ahora para reflotar no solo el disco, sino la memoria indisoluble del dark Luís es que pongo al aire semejante amalgama. El disco se compone de 22 temas de carácter variopinto. Desde lo electrónico asincopado hasta el rock de samplers y griteríos o la suavidad de dark y un extremo de lo progresivo y la fusión. Es un disco especial, distinto incluso para el presente. Recomendado.

LA PANDILLA BASURA

1. El Erick y la Banda Puerca - Waykan

2. Ertiub - 89-65-96

3. Rayza - Naugrafa

4. Los Resortes - Libre

5. Textura - Como Estuvimos

6. Camilo y la Banda Puerca - Perro Chusco

7. Ultra Pop - Roja

8. Moño Rojo - TVM

9. Pasagero en Trance - Pasajero

10. Malásquez Sound Machine - Los Bosques

11. Ertiub - Def

12. Ultra Pop - Sueños

13. Neto - Pleccs

14. Malásquez Sound Machine - Pepe

15. Ertiub - Off

16. Silvina Divina y la Banda Puerca - Diafragma

17. Neto - Serafín

18. Reisser - Ho

19. Neto - Supura

20. Ertiub - Ácido Tú

21. Erika Sola - La Nena

22. Ertiub – s/t

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LUJÁN y el disco “SAFARIDÉLICA”

2010-10-04T16:34:00.003-10:00

Para mí es gratísimo traer el disco de Marco Luján, llamado Safaridélica. Del año 2010, esta entrega es una excelente muestra de la producción peruana y del ímpetu del proyecto electrónico creado en los mediados del 2004 por Luján. La experimentación, la influencia del Jungle, el Drum & Bass, el glamuroso Trip-Hop, raíces del compas peruano y temas de cierta antigüedad dan como resultado una original producción bien llevada en este disco. Tal fusión de samplers lleva por nombre retrofuturismo (término manido para tales fusiones).

El disco se compone de estas canciones:

1.- Safaridélica (Original Mix)
2.- Barranco
3.- Stereophonic Voyage (Space Lounge Mix)
4.- Druma Jarana
5.- Trampolín a la Fama (Carbajal Mix)
6.- Dos más
7.- Tabaco, Ron & Bass
8.- La Avispa (Luján Remix)
9.- Bokor (Zuluján Original Dub Mix)
10.- Dos más (Chillgana 'N Burdel Mix)

Dentro de la mezcolanza de Marco, apunto al tema que más me llama la atención en Safaridélica, el Mix de Carbajal. Para los que aún pudimos soportar Trampolín a la Fama, este será un recuerdo humorístico y espontáneo en una estratégica dimensión del tiempo que nos alegrará y entretendrá tratando de eliminar la agotadora y extenuante jornada semanal… simplemente oigan el tema.

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LOS PRISIONEROS Y SU DISCO “CORAZONES”

2010-10-01T20:37:00.001-10:00

En esta ocasión traigo del año ’90 el genial disco de Los Prisioneros de Chile, Corazones. Disco editado para EMI ODEON, masterizado en California y producido por Gustavo Santaolalla, tiene el sello en todas sus canciones de Jorge González y la ausencia en la guitarra de Claudio Narea.

Este disco destaca por el cambio de la lírica del grupo de la protesta y lo contestatario a la intimidad y reflexiones sentimentales, lo cual hace sindicarlo por algunos seguidores como muy JorgeGonzález’iano.

Brevemente, la razón fundamental de la entrega es reclamar el espacio merecido que debe tener no solo algún tema del disco (llámese “Tren al sur”, “Corazones rojos” o “Estrechez de corazón”) sino la edición completa. Todos los temas, con ese aire electrónico e incluso new wave (como es el caso de “Con suavidad”), merecen un lugar necesario para el oyente atento.

Cabe señalar que luego de la presentación de este álbum, el grupo se disolvería el ’91. Pero, tendrían su revancha de nuevo en el 2001 para ya terminar totalmente el conjunto el 2006.

El disco en ese entonces se produjo en casetes, siendo el orden el que sigue para las canciones:

Lado A

Lado B

El disco es absolutamente recomendado. Los temas “Cuéntame una historia original” o “Amiga mía” son definitivamente joyas del género.

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MARTINA TOPLEY-BIRD ES LA ARTISTA DEL MES DE OCTUBRE CON SU DISCO “QUIXOTIC”

2010-10-01T19:33:00.004-10:00

Para hablar de Martina Topley-Bird, no voy a referir su pasado con Tricky y los puntos claves del Trip-hop en el ’95 a la par del mítico disco "Maxinquaye". No voy a referir la mención al respecto de Marlene Dietrich, la diva alemana que cautivó a Hollywood en los 30’s y por la cual Martina es llamada la Dietrich negra del soul debido a la voz tan singular de ambas. En esta ocasión pasaremos directamente a la hermosa morena de voz atrayente.

El disco “Quixotic” es para mí la muestra más generosa de la posición que tiene la voz de Martina dentro del ámbito de la experimentación y el trip-hop o sus escalas. Cada tema lleva el sello inconfundible de la originalidad y algo de Tricky, de Massive Attack, de la evolución personal llenándose de respuestas, encontrando el rastro de lo genuino.

La producción solista de Martina Topley-Bird se da cronológicamente así:

* Quixotic (2003),

*Anything (2004),

*The Blue God (2008),

* Some Place Simple (2010).

Evidentemente no incluyo las producciones de apoyo que realiza o su participación previa al 2003.

De sus 3 producciones ("Anything" es la remasterización del disco que mencionamos en el presente artículo) es “Quixotic”, según mi opinión personal, la más provista del impulso sin descanso del trip-hop y la experimentación con otros estilos, dejándonos sin posibilidad de esquivar cada tema. Es, a mi parecer, un disco “exótico” en sí. Lo considero el más significativo, pero evidentemente los demás no dejan de tener la enorme carga emocional de Martina, su inconfundible voz le da a los discos ese aire de pasión abrazadora, la contundencia del cadáver exquisito.

Dentro de las voces femeninas, la de Martina tiene la solidez y fuerza que transportan, el aire del soul recorre cada tema sin dejarnos olvidar ni obviar el sistema grácil del trip en cada giro de los 18 temas que propongo en el disco en mención (incluyo bonus para la mayor degustación de la artista).

Algo desatendida por la crítica, su presencia es necesaria dentro de las voces femeninas representativas del trip-hop y los argumentos del buen gusto de los 90’s – 2000 y posteriori. Muy a pesar de la insipiente comercialización de los ritmos maquinales y grupos mercantilistas predominantes, Martina Topley-Bird y su producción son una muestra irrefutable de la originalidad, la contundencia del estilo y la perfección vocal. El disco es muy recomendado.

Martina Topley-Bird – Quixotic

01.- Intro

02.- Need One

03.- Anything

04.- Soul Food

05.- Lullaby

06.- Too Tough To Die

07.- Sandpaper Kisses

08.- Ragga (ft. Tricky)

09.- Lying

10.- I Wanna Be There

11.- I Still Feel

12.- Ilya

13.- Stevie's (Days of a Gun)

14.- Bonus - Hours Away

15.- Bonus - Need One (Fabien's Mix)

16.- Bonus - Outrun (ft David Holmes)

17.- Bonus - Into The Sun (with Diplo)

18.- Bonus - All Alone (Live with Gorillaz & Roots Manuva)

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"Venetian Snares" y su estupendo disco “Rossz Csillag Allat Született”

2010-09-23T07:39:00.001-10:00

No es solamente estar ante la presencia de una mortaja o la voz más sensible atrayendo hacia la muerte un día domingo en que la sonoridad de violines clásicos, el jazz sampleado para Billie Holiday y lo inexplicable y hermoso del jungle breakbeat se juntan. Se trata de un vuelo a ojo de paloma a través de Hungría, con los labios cerrados, dejando que los sintetizadores exploten, abarquen las circunstancias. Así se proyecta brevemente el tema “Öngyilkos Vasárnap” del canadiense Aaron Funk o más bien llamado Venetian Smares, BeeSnares, Last Step u otros.

Funk es del ’75, su música enfoca los estilos Breakcore, IDM, y la tendencia Jungle; y aunque suene muy extraño, sus influencias son provenientes de su madre y su relación con el death métal y el punk rock.

Funk es un prolífico artista, su obra abarca desde compilados y tracks en casettes editados por él mismo hasta el sin número de disqueras que lo han acogido en sus periplos por lo electrónico y la experimentación con su Renoise.

El disco llamado “Rossz Csillag Allat Született” proviene del viaje cósmico de Funk por Hungría, tratando de materializarse metafísicamente en una paloma y así describir las más inesperadas sensaciones por un vuelo sin término que destapa la ruptura o juntura entre las computadoras y el ritmo clásico de los salones cuando Reszo Seress pensaba en el suicidio mientras Budapest transita por el sopor y la soberbia. El disco tiene la traducción de “Nacido bajo una estrella negra” y efectivamente, relacionar el nacimiento con la oscuridad de las estrellas es lo que el ímpetu de los violines y el desgarrador sintetizador nos provocan. Cada tema conjuga elementos de carácter, son entes casi racionales invocados por este nigromante musical. El listado de canciones con sus correspondientes traducciones es el siguiente (gracias a la madre de la cultura web, Wikipedia):

"Sikertelenség" (Fracaso)
"Szerencsétlen" (Desafortunado)
"Öngyilkos vasárnap" (Domingo suicida)
"Felbomlasztott mentőkocsi" (Ambulancia desintegrada/descompuesta)
"Hajnal" (nombre femenino/Alba (literalmente))
"Galamb egyedül" (Paloma, sola o Paloma por sí sola)
"Második galamb" (Segunda paloma)
"Szamár madár" (Pájaro tonto; literalmente Pájaro burro)
"Hiszékeny" (Crédulo)
"Kétsarkú mozgalom" (Movimiento bipolar )
"Senki dala" (Canción de nadie)

Mi conocimiento del disco llegó gracias al tema 5, Hajnal. Literalmente quedé fascinado con la irrupción a golpe de los infinitos drums tras la entrada fanfarrona de los violines densos y vertiginosos. La combinación hace que el recorrido de lo orquestal a lo electrónico sea absolutamente un deleite. Lo asombroso que hace aún más genial a Hajnal es que sus 7’46’’ son inagotables, no dejan lugar a la esterilidad de pensamiento o la lucidez que se genera tras tanto choque. El 3’36’’ es el genial punto de inflexión.

Otro tema provocadoramente atractivo y oscuro es el "Öngyilkos vasárnap" (del cual hablaba al inicio del post). La voz de Holidai retraída por el sampler atrae la muerte, conspira con Funk para hacerte olvidar el espacio donde te das cuenta que eres algo, y simplemente te sume en una enorme desesperación encantada. No hay mayor amenaza que la sencilla relación con la versión original del tema "Szomorú Vasárnap” de Seress (en inglés llamada Gloomy Sunday y popularizada por la misma Billie el año ‘41), de la que se comenta como leyenda que generó y genera el suicidio. Sin embargo diré sinceramente, que la versión original no me produjo mayores desgastes que el sopor.

Por lo demás, solo queda añadir que el disco es magnífico. Es un hecho serio. Y como condición a esta obra de arte, Funk tuvo que aprender a tocar el violín y la trompeta, que en los 11 tracks son marcadamente reconocibles. El paquete emocional sin descuidos propuesto por Aaron en este discazo es sencillamente necesario para comprender los argumentos que llevan a la razón y la locura a través del sampler.

Dado y nacido bajo las condiciones del Breakcore con influencias del jugoso Jungle, el disco es absolutamente aclamado por los conocedores y lleva el implacable sello oscuro de la nostalgia envolvente amalgamada a la dedicación orgánica del sentimental talento producido por Funk. Altamente recomendado.

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Neobarroso presenta el compilado de Avant-garde métal Volumen 1

2010-09-15T12:37:00.002-10:00

Definir el género denominado “Avant-garde” es sumamente complicado, y sumarle a ello el métal, aún más, sobre todo considerando que muchos de los participantes de esta movida niegan su existencia o la ningunean. En particular tengo un enorme aprecio por este tipo de género que para mi gusto es bastante nutritivo y prometedor.

Básicamente se define el género Avant-garde métal como un sub género del métal en sí, algunos incluso lo hacen hijo del heavy, pero yo discrepo. Lo que caracteriza y llama la atención de esta tendencia es el uso de sus elementos musicales, instrumentales y creativos poco comunes: de carácter “vanguardista”, la experimentación y variación de sonidos hace rúbrica en cada grupo y tema, el uso de elementos y estructuras no clásicas para el métal hacen del avant-garde métal la cúspide de la innovación, pues la aplicación de tonalidades y matices de otros géneros (como el jazz, electro, punk, dark, ambient, flamenco, cabaret, etc.) aunados a los ambientes oscuros (o por el contrario, atmosferas festivas) y la conjugación de voces extravagantes, aleatorias o sumamente cadenciosas, la tendencia a profundizar en alegorías surrealistas y convocaciones a la estética visual de grupo y sistema musical, no hacen sino del avant-garde métal un conglomerado genial que no pretende en ningún sentido abarcar un límite o establecer un parámetro, sino todo lo contrario.

Muchas veces maltratado por los especialistas de géneros, ha tenido inconvenientes en ser aceptado debido a la mala compresión de sus formas y la confusión con el métal progresivo (el cual tiene los mismos síntomas musicales). La proliferación del género es baja por la escases de eventos y la poca unificación de los miembros de la “movida”, además de que muchos de los grupos no inician siendo avant-garde métal. El género, a pesar de su apariencia de vanguardia tiene su tiempo sonando, desde mediados de los 80’s. Pero –felizmente- en las últimas épocas su alcance va en aumento gracias a grupos como Diablo Swing Orchestra o Atrox (que para mi gusto son de los más representativos del “novísimo” género).

En esta oportunidad se da pie a un compilado primigenio con los grupos Avant-garde métal contemporáneos de gran aprecio en la escena. Los nominados son (sin ningún orden en particular):

Stolen Babies y su “Awful fall”.- La voz de Dominique Lenore Persi así como su representación en escena es de lo más agradable del género. Aún con un solo disco, podemos segur su rastro en colaboraciones a grupos y presentaciones de telón. Esperamos su nuevo material con ansiedad.

Dog Fashion Disco y el “Mature audiences only”.- Lamentablemente ya disueltos el 2007, el tema presentado –así como el grupo, salvo el celo- es de carácter oscuro, algo nocivo y con un celo descomponiendo el ambiente. Genial.

Maudlin of the Well y su tema “Pondering a wall”.- De gran potencia instrumental, destaca dentro del género por la voz descarnada pero que se a veces en el death. Se han desbandado, produciendo Kayo Dot, interesante proyecto.

Akphaezya suena con “Chrysalis”.- Gran tema de estos chicos franceses. Con grandes contrastes de la voz femenina y el death masculino, solo cuentan aún con un disco.

Ayin Aleph y su “Valpurgis night”.- Ayin nos trae desde Rusia este rico tema lleno de juego vocales y un ambiente digno de la noche de Walpurgis. Soberbia interpretación.

Diablo Swing Orchestra y el genial “Wedding march for a bullet”.- D.S.O. es una banda necesaria no solo para un seguidor del avant-garde métal, sino en general. Los suecos se la llevan: son excelentes!

Pin-up went down nos trae su "Esthete piggie”.- Con 2 geniales discos ya en su haber, este dúo de franceses contrasta juguetona y agradablemente las voces de sus miembros. Y con esta entrega lo demuestra.

Atrox y su “Ignoramus”.- La voz de Monika Edvardsen es sencillamente orgásmica!

Windham Hell y “Terror soak”.- El ya fenecido grupo estadounidense nos trae esta combinación instrumental de ambiente decadente con una luz de silencio.

Ram-Zet y “And innocence”.- Genial entrega de estos chicos de Noruega. Nótese la dulce sincronía de la voz casi lírica de Miriam Elisabeth «Sfinx» con la crudeza de Henning «Zet» en el death.

Unexpect y su “Desert urbania”.- Los chicos canadienses nos demuestran con este tema porqué son tan aclamados. Genial violín.

Thee Maldoror Kollective y el “Zombie children do synthetic dreams”.- Sencillamente brillante!

Magyar Posse y el tema “Intercontinental hustle”.- Para finalizar, un poco de post-rock a cargo de estos geniales finlandeses. Aires vanguardistas.

Neobarroso - Avant-garde métal Vol. 1

01.- Stolen Babies - Awful fall

02.- Dog Fashion Disco - Mature audiences only

03.- Maudlin of the Well - Pondering a wall

04.- Akphaezya – Chrysalis

05.- Ayin Aleph - Valpurgis night

06.- Diablo Swing Orchestra - Wedding march for a bullet

07.- Pin-up went down - Esthete piggie

08.- Atrox – Ignoramus

09.- Windham Hell - Terror soak

10.- Ram-Zet - And innocence

11.- Unexpect - Desert urbania

12.- Thee Maldoror Kollective - Zombie children do synthetic dreams

13.- Magyar Posse - Intercontinental hustle

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EL ARTISTA DEL MES DE SETIEMBRE: SHANNON WRIGHT Y SU DISCO “OVER THE SUN”

2010-09-03T15:38:00.005-10:00

La Wright es imponente, distinta, sofocante y muy emotiva al interpretar su música, cada tema lleva una recarga visceral que admiro. Además de poseer una extraña belleza. El disco llamado “Over the sun” es creo yo el más característico de lo que significa su voz, su multi-instrumentación rutilante, su oscura forma de llevar el piano, la guitarra, las inflexiones de cada palabra pronunciada.

Shannon inicio en el grupo denominado “Crowsdell”, del cual era líder. Lo que más llamaba la atención desde entonces era su voz desenfrenada en las distintas presentaciones, generalmente alternadas entre el folk rock y lo indie. Al desintegrarse este en el ’98 continuó su carrera teloneando grupos conocidos como “Calexico”, “Low” ó “Man or Astro-man” y hasta “Nick Cave” hubo de haberla requerido para algunas presentaciones y discos. Su carrera está dividida por la madurez de su voz y la influencia que obtuvo de su tránsito por Europa. Es una clara representante del indie norteamericano. Su discografía destaca en el 2005 gracias al disco editado junto a Yann Tiersen, el conocido compositor de la banda sonora de la película francesa “Amélie”.

Discografía:

* Flight Safety (1999) * Maps of Tacit (2000) * Perishable Goods (2001) * Dyed in the Wool (2001)* Over the Sun (2004)* Yann Tiersen and Shannon Wright (2005)* Let in the Light (2007) * Honeybee Girls (2009)

Over the Sun

01.- Intro With Closed Eyes

02.- Portray

03.- Black Little Stray

04.- Youll Be The Death

05.- Throw A Blanket Over The Sun

06.- Avalanche

07.- If Only We Could

08.- Plea

09.- Birds

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Neobarroso presenta la selección Phonelist Volumen Nº 3

2010-08-23T14:17:00.002-10:00

Para la presente temporada traigo a continuación un conjunto de temas testigos de la involuntaria gana de vivir feliz en la época que fue del año 2009. Es decir, mis mejores temas del año pasado (y un poco algo de este). Tenemos algo de indie rock, un poco de pop disuelto en temas relajados, también algo de alternativo y claro, post punk revival. La selección lleva el sello característico de lo nada comercial, voces nítidas y claras, volúmenes musicales vibrantes y de calidad indiscutible. Los elegidos son:

Neobarroso - Phonelist Vol. 3

01.- Arctic Monkeys – Catapult

02.- Cracker – Low

03.- Cold War Kids – Audience

04.- Dave Navarro – Rexall

05.- Dirty heads feat. Rome - Lay me down

06.- Doves - Black and white town

07.- Empire of the sun - We are the people

08.- I am kloot - Here for the world

09.- Meg & Dia – Roses

10.- PJ Harvey & John Parish - Black hearted love

11.- The Heavy - How you like me now?

12.- The pains of being pure at heart - Higher than the stars

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Neobarroso presenta a Rafo Ráez y su "Antología Barrosa"

2010-08-16T09:33:00.005-10:00

Hablar -para mí- de Rafo Ráez es remontarse a las épocas juveniles, incluso a la escolaridad. Allá por el ’95, acaso mientras tenía la presión de exámenes inconscientes o afanes amorosos, oí de casualidad al Rafo. Yo tenía la costumbre de aislarme los sábados por la tarde en el tercer piso de mi casa. Oía largamente los programas de Radio Panorama (hoy fenecidos) en los que el rock alternativo y lo nacional estaban en boga. Ese sábado alternaba mi deseo de quedarme a escuchar a volumen alto la radio con la posibilidad de lavar mi ropa y estudiar. Pensaba no ser molestado, tenía somnolencia. Pero cuando prendí la radio pasó lo que no esperaba: sonó una canción que nunca antes había oído. Lenta, diríase hasta romántica, me acordé de pronto de una chiquilla que me tenía el corazón en las manos. Pero luego seguí escuchando y me descuadró totalmente “Al amor se ha dicho”. Fue una sacudida. Fue la primera vez que oía al Ráez. Posteriormente la dosis se fue incrementando. Ya en la universidad conocí amigos que tenían discos, habían ido a ciertos conciertos y hasta tocaban su música en la guitarra.

Rafo entonces se convirtió en un símbolo de alguno de nosotros. Nos reuníamos para estudiar mientras el Ráez cantaba, roncamente a veces, en otras desconsolado. Y nosotros conversábamos, teníamos planes a la larga, nos identificábamos con las letras. Pasé muchas aventuras oyendo al Rafo. Como la vez en que me quedé dormido en el campus universitario. Era tiempo de exámenes, a decir verdad daba examen ese mismo día. Nunca a favor de los exámenes, estudia moderadamente para tal fin, con mi walkman y mis cuadernos me quedé sentado bajo un árbol, mirando de reojo la clase en la que me tocaba dar examen. Tenía sueño, ganas de comer, y poca intención de entrar y sentarme lleno de presión como se nota todos entran a los test. Faltaría media hora para entrar, yo calculé ese tiempo para dormir. Solo dormir. Me puse a oír al Rafo. Creo que era “Eden” lo que sonaba cuando quede literalmente inconsciente. Al rato un amigo me despertaba y preguntaba “tan rápido terminaste tu examen?”. Había pasado hora y media dormido. Volé al examen y argumenté un malestar estomacal. Hice lo que pude y felizmente tuve mi revancha. Pero eso pasó.

Rafo Raéz tiene ascendencia ayacuchana. Es antropólogo de profesión. Cuando el internet zumbaba en los oídos de todos pude comunicarme con él vía correo. Hablábamos de sus temas, la creación artística, la vida. Hoy por hoy (ya descomunicados), recuerdo con alegría el tiempo en que conocí su música y evidentemente soy un seguidor de su trayectoria. Aunque aprecio más sus inicios, espero que pronto haga un envío auspicioso con novedades y grandes y mejores éxitos.

El disco que presento consta de lo que para mí es lo más trascendente de su música: en realidad todo lo de Rafo es seguible y perseguible, pero he seleccionado las que más gratos recuerdos me traen, las definitivamente originales, esas que me acompañaron y son parte de mi relación con la vida.

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Reflexiones sobre el amor - Entrevista a Marco Aurelio Denegri

2010-08-16T09:06:00.008-10:00

Marco Aurelio Denegri (MAD), es un conocido intelectual del medio cultural de Perú. Además de pesimista y casi misántropo, tiene una vital oratoria sobre el sexo y la literatura. Gracias a su conocimiento he podido aumentar el mío, es decir, indagar sobre pistas que él suelta, validar o invalidar mis ideas o acaso refutar totalmente las suyas. Pero es un ser pensante, que extraña o radicalmente contagia el deseo de discernimiento, de juicio, de reflexión, de diálogo interno.

De él dejo a continuación un video acerca de las directivas del amor o lo que él llama “la unión emocional violenta que no debe tener tanta importancia”, además de adentrarnos en otras esferas a modo de entremés. De un programa de César Hildebrandt, creo sin lugar a duda que es un aporte sumamente poderoso para la meditación acerca del tan voceado, abstracto y joven sentimiento.

Artista del mes de Agosto: Rose Kemp y su disco "The Unholy Majesty"

2010-08-07T17:27:00.006-10:00

Rose Kemp aparece en la escena el '84. Digo esto ya que valoro su presencia desde el inicio. Su voz es descontrolada, emotiva, lúdica. Su manejo de los tiempos, el espacio, la composición, el ritmo, la violencia, la delicadeza la ponen en escena, la desplazan hacia arriba. La condensación de todo lo mencionado alcanza a la Kemp. Pueden revisar un poco de su música en el Ipod que se ha proporcionado para tal fin: música agradabilísima!

El disco que ahora presento no sería posible sin la presencia de Empty Sounds, un blogspot amigo y que desencadena oscuridades. Tengo el agrado de presentar a la inglesa Rose y su disco “The Unholy Majesty” del año 2008. Un disco de contrastes folk, rock y depresión alegre; amplio, de luces y sombras consumiendo el espacio; estupendo. Los temas son:

The Unholy Majesty

1. Dirty Glow
2. Nanny's World
3. Bitter and Sweet
4. Flawless
5. Saturday Night
6. Nature's Hymn
7. Wholeness Sounds
8. Vacancies
9. Milky White
10. The Unholy

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Neobarroso presenta a Tito Fernández y su "Antología Barrosa"

2010-07-27T18:02:00.001-10:00

Cuando era niño teníamos una radio vieja y maltratada. Únicamente permitía hacer sonar las ondas sonoras de la amplitud modulada y los casetes que de milagro encajaban para luego dar una poderosa palmada a las teclas de play ó stop y hacer que la música suene. Girábamos el dial, ajustábamos el cable de transmisión eléctrica. Servía también de juguete la mentada radio. Mientras mi padre trabajaba en la chacra junto con sus hermanos y mi abuelo, mi madre cocinaba con mi abuelita. Yo y mis hermanos jugábamos con la radio, a veces podíamos poner lo que nos gustaba (que por ese entonces no era muy variado). Pero un domingo mi padre puso uno de sus miles de casetes. Melómano de nacimiento, le debo mucha cultura musical. Hizo sonar mientras regaban el maíz, mientras se enlodaban haciendo pasar el agua por los surcos, hizo sonar –decía- a Tito Fernández. La razón por la cual ahora presento esta humilde antología al Temucano es la sencilla razón de mi admiración no al recuerdo de mi padre cantándole una canción a mi madre mientras regresaba a pedirle comida por el cansancio de trabajar, sino porque Tito Fernández es un cantante estupendo. Merece una valoración enorme.

Yo recuerdo que lo vi en Arequipa, mi lugar de residencia. Era de noche, se presentó al borde de la cero horas. Y fue inolvidable toda canción que allí se cantara. Quiero con este compilado agradecerle porque me ha dado muchos buenos momentos con su música, su guitarra, las letras de sus composiciones.
Indudablemente la reunión de esta antología es antojadiza y puedo obviar algunas canciones, es parte del oficio. He de confesar que el casete que por primera vez me hizo oír al Temucano está perdido.
Las entregas comienzan con “De la buena María”, que como el mismo temucano explica es un poema cantado, un reencuentro entre dos amantes. Es de las canciones más emotivas que he oído de Fernández. Tito canta e interpreta, mejor dicho, recrea las emociones del que esperó y pudo contemplar el fruto de la paciencia. Dichoso aquel.
El tema a continuación es creo yo el más conocido de Tito Fernández. “La casa nueva” es una de los temas que siempre me han reflexionar sobre mi vida: mis padres, mis hermanos, la casa. Con las palabras del temucano reaccioné de alguna manera a la realidad que significa tener dónde vivir y sobre todo, por qué. Precisamente, esta es la canción que mi padre le cantó a mi madre después de regar la chacra.
“A mi compañera” es una semblanza de lo que el amor hace de una mujer: la luz. Los arpegios, la letra, la interpretación. Fernández desdobla las emociones, reemplaza el acto con verbos: y funciona: la canción es para mí estupenda.
“Muchacha de domingo” representa la solicitud del amante dominical. O tal vez del platónico solidario. Los parques, los retazos de tiempo distribuidos para sentir que se descansa: el domingo es todo ello. Tito realza a la mujer que por más que su menester sea sencillo es un ser latente, que ama.
“El atrinque” es la manera más cordial de llamar la atención de un padre a un hijo. La vida no da derechos a nadie de juzgar a otros, ni la jurisprudencia creo yo. La letra explica todo claramente. De carácter íntimo, hundido en el pueblo y sus quehaceres, este tema llama a la reflexión, conversa.
El tema llamado “Duérmete mi niño” es uno de los más queridos por mí de Tito Fernández. Es curioso. Dentro de todas las posibilidades de oficio de las que habla en el tema, yo elegí ser “geniero”. Oí esta canción de niño. No le di importancia sino cuando sentía la necesidad de convencerme de que la vida no es solamente una inercia, que las elecciones pesan, que los seres que nos rodean se ven afectados por nuestros errores. Y hoy me hace sentir que ha pasado tanto tiempo desde entonces…
“Pablo cantó” es un homenaje a Neruda, una forma de invocarlo, traerlo alrededor. Poesía, relevancia, futuros a la par de sueños: trenes, lluvia.
“Niña” es el recuerdo, es la consulta a las sombras, es la forma triste de explicar la pena de extrañar. La nostalgia confundida con la idea de vivir se hacen canto, analizan la situación, se empapan de cotidiana tristeza de sentir que algo no está completo, algo ha quedado al margen, roto.
El tema que prosigue el compilado se llama “El mañungo”. Alegoría de un amigo. Esta canción me trae recuerdos de un amigo que ahora habita en Tacna. Qué será del viejo Art?
El tema llamado “Mi madre” es sencillamente un gran homenaje a la mujer que nos trajo al mundo. El modo de agradecer de Tito es indudablemente soberbio.
“El padre” es la contrapartida del tema anterior. La paternidad siempre me ha llamado la atención, me ha aterrorizado. Sin dudas, creo que es una actividad difícil.
Prosiguiendo los temas oímos “La mañana”. Tema de consideraciones obreras, de rutinas diarias. Todos creo yo vivimos similares circunstancias tales cuales el tema. Las sospechas que podrían darse son que cada día a pesar del peso de recorrer las horas, podemos reanimarnos con la espera de alguien que vive a nuestro lado: la familia. No sé.
“Yo quiero verte” es un bolero sorpresivo de Tito Fernández. Sencillamente a escucharlo. Pienso que redundar en mis generalidades amorosas sería ya injusto. Pero aun así, esta canción me hace sentir identificado. Ni hablar.
El siguiente tema se llama “En mi vieja canción” y está a dos voces. El amor, su manera de llevar, son aproximados en este tema, son rechazados y readaptados al modo del juego que hace el viviente, el que habita la guitarra, la voz. Y desde luego, nos aproxima a la vida.
“La madre del cordero” es sencillamente para oírla. Toda consideración está dada dentro del tema. Detalles del romance de una hacendada con un camayo, Fernández nos conduce por el camino del dolor, el amor y las decisiones.
Ya acabando con la entrega llega “Cero a cero”. Confieso que este tema fue el primero que oí de Tito, y es que la forma descriptiva tan graciosa de un partido de futbol me atrajo desde niño: la inteligencia, la solidez de palabras, la entonación: todo me atrapó cuando era niño de este tema. Y hasta ahora.

Neobarroso - Tito Fernández - Antología Barrosa

01.- De la buena María

02.- La casa nueva

03.- A mi compañera

04.- Muchacha de domingo

05.- El atrinque

06.- Duérmete mi niño

07.- Pablo cantó

08.- Niña

09.- El mañungo

10.- Mi madre

11.- El padre

12.- La mañana

13.- Yo quiero verte

14.- En mi vieja canción

15.- La madre del cordero

16.- Cero a cero

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ARENAS DE TIEMPO Y SIMONOVA: EL ARTE QUE NO SE EXTINGUE.

2010-07-18T12:12:00.001-10:00

Kseniya Simonova nació en 1985, es una artista en animación en arena. De Ucrania. Pero considero que su arte va más allá de simplemente haber ganado el Ukraine's Got Talent debido al colapso de su negocio por problemas económicos. Sus manos reflejan estados, emociones, siluetas y realidades. Sus manos lo son todo en un escenario repleto de partículas de roca desagregada, de sal marina tal vez, de humanos disueltos, diseminados, esparcidos en partes iguales, todas pequeñas. Su actitud de engendradora, de novelista gráfica, de señora de la tierra me maravilla: la facilidad de pasar de la tragedia al humor con un soplo de espíritu divino. Fácil espíritu que no es sino sencillo para ella. Sus manos entrañan, constituyen, salvan y condenan. Su traslación de escenarios, su confusión de voces y sonidos, su tranquila forma de renovar cielo e infierno entre sus dedos, no hacen sino realzar su belleza ya natural. El video a continuación es una joya del arte contemporáneo, necesario para tener idea de que somos más que simplemente proveedores o consumidores. Somos arte:

La traviata (Acto II, escena X) según la "Ópera Imaginaria"

2010-07-17T19:20:00.001-10:00

La Ópera Imaginaria es una grabación producida para la televisión pública francesa, realizada por Pascal Roulin en 1993. En la película, un misterioso hombre, el propietario de la ópera, va presentando a los espectadores diversas piezas de ópera, sus argumentos y personajes. Contiene doce extractos de algunas de las óperas más populares, animadas por famosos artistas europeos con distintas técnicas que van desde la plastilina a las imágenes de síntesis 3D.

Las óperas representadas son: El payaso (Ruggero Leoncavallo), Rigoletto (Giuseppe Verdi), Carmen (Georges Bizet), Las bodas de Fígaro (Wolfgang Amadeus Mozart), Madame Butterfly (Giacomo Puccini), Los pescadores de perlas (Georges Bizet), La flauta mágica (Wolfgang Amadeus Mozart), La Cenicienta (Gioachino Rossini), Fausto (Charles Gounod), La Traviata (Giuseppe Verdi), Lakmé (Léo Delibes) y La Tosca (Giacomo Puccini).

Para el agrado de todos traigo al ruedo la que para mí es la mejor representación de las óperas, me refiero a La Traviata en su Acto II, escena X interpretada por el coro “Noi siamo zingarelle”. Disfruten de esta genial puesta en escena:

Neobarroso presenta a Víctor Jara y su Antología Barrosa

2010-07-16T17:38:00.003-10:00

Víctor Jara no es solamente un cantor de trova y protesta chileno, no es solamente uno que falleció a causa de la injusta destrucción producida por la marioneta Pinochet y sus compinches estadounidenses. No. Víctor Jara representa para mí la expresión más pura y sincera de una necesidad, de una gestación, de un deseo necesariamente justificado, justificable y a realizar. Jara encarna la viva voz del campesinado, la masa proletaria explotando, el trabajador que razona sobre su vida, sus hijos, su país.

Víctor Lidio Jara Martínez nació en el seno de una familia campesina, en San Ignacio el 28 de septiembre de 1932 y creciendo con Ñuble y su andar en Chile se convirtió en un referente internacional de la canción reivindicativa y de cantautor. Murió torturado en Santiago, en el antiguo Estadio Chile (que después fue denominado Estadio Víctor Jara) por fuerzas represivas de la dictadura de Augusto Pinochet el 16 de septiembre de 1973, poco después del golpe militar que derrocó al gobierno de Salvador Allende, el 11 de septiembre de 1973.

Músico de polendas, cantautor reaccionario y director de teatro chileno, es sin lugar a duda el mayor referente de la música de autor de Chile y un representante generoso de la voz del pueblo en América Latina. A continuación expongo la selección de lo que considero es mínimo indispensable oír de Víctor. Ello es:

El tema uno representa quizá la expresión más pura del campesino. “El arado” narra a la persona, es un diálogo, un monólogo, una increpación, una esperanza recitada. Jara expresa como pocos las emociones de quien para muchos es un ser apartado, callado, entrometido solo con su trabajo, alejado de la ciudad y su mundanal ruido, de lo contemporáneo, lo costoso. En este tema se reafirman los sentimientos de realzar las labores, la función, la vida de quien es apaciguado con palabras de gobernantes, con bajos ingresos, con palos. Hay una afirmación de justicia aquí!

El tema dos es una de las cualidades de Jara. “Oiga pues mijita” es una jocosidad hecha canción. Pocos son los cantautores capaces de realzar las peripecias de la vivencia, confirmar una necesidad basada en testimonios de reclamo y a la vez cantar a la alegría y el humor. Jara en este tema lo hace.

El tema tres revela a Jara en todo su esplendor. “El derecho de vivir en paz” alcanza como bien dice él “… de Vietnam a toda la humanidad”. Imprecando la injusticia del oriente debido a las guerras y asesinatos, Jara canta como nadie a la paz, reanima al ser convulsionado exigiendo lo más claro y cercano a la felicidad: la paz.

El tema cuatro es para mí el mejor tema de Jara. “Manifiesto” revela no solo al cantor como pieza fundamental de la realización de la verdad y la humanidad del ser humano como tal, sino al artista. El canto, el arte plasmada a través de los sentidos, la revolución causada por el impacto de nuestro hacer, porque el arte tiene sentido cuando palpita en las venas… para los demás, haciéndolos libres.

El tema cinco es una conspiración de Jara contra mí. Yo ya hablé del “Te recuerdo Amanda”, a grandes rasgos solo reincidiré le tengo mucha devoción al tema porque me recuerda a un tío homónimo a Manuel, el que no volvió de su jornada y a nadie importó salvo a ella corriendo a la fábrica…

El tema seis es a veces una necesidad para mí. “Canción del árbol del olvido” narra al desamparado incapaz de olvidar. Muchas veces uno desearía en su cobardía encontrar ese árbol del que Jara habla magistralmente. No sé si sería una bendición encontrar el árbol, dormir soñándolo, soñar que existe haciéndolo vivo. No sé.

El tema siete describe alguna felicidad y el contraste de una introspección sobre el hacer personal. “Qué alegres son las obreras” devana la meditación del cantor y su tarea, y a la par el encuentro con la mujer, esa mujer proletaria, la más cercana, la promesa de felicidad compartiendo su alegría. He de decir que es el segundo tema más querido por mí de Jara por su ferocidad, agilidad, locuacidad, qué sé yo.

El tema ocho es la más clara declaración de amor por parte del platónico irremediable. “Aquí te traigo una rosa” nos comparte las probabilidades del que quiere que lo quieran y espera en ello. Jara como siempre, nos entromete en peticiones, declaraciones, duelos con la verdad de uno para uno.

El tema nueve es otro de los temas con calidad de himno de Jara. “El hombre es un creador” resuena como un canto coral proletario. Debería ser entonado en marchas sindicales, conferencias reivindicativas. Revela al hombre no como artefacto sino como ser. Sencillamente el hombre crea, su función de vida así lo exige y Jara lo sabía y lo canto para hacer entender ello. Por ello existe el tema.

El tema diez me entromete al romance. Hubo un tiempo en que “Cuando voy al trabajo” me caló hondamente y me hacia recurrir a un nombre femenino, a una mujer inmune al olvido. Los recuerdos inenarrables se hacen polvo y rejuvenecen cada vez que Jara dice “… pienso en ti…”.

El tema once es el dolor encarnado con la victoria final de una mano fraterna, amante, necesaria. “La luna siempre es muy linda” nos describe la tristeza de alguien que salió de lo profundo del desconsuelo a la necesaria palestra de la justicia. Justamente Jara canta, expresa que el calor resume al final la verdad. Y eso es verdad. La pregunta final del tema lo dice todo.

El tema doce es el primer tema que oí de Víctor. “En algún lugar del puerto” fue la raíz que dio pie a seguir oyendo a Jara. La vivencia y convivencia de/con la soledad y las preguntas no hacen sino sazonar este tema y su viento, la pelota de trapo, la orfandad, la muerte.

El tema trece ya ha sido comentado por mi persona anteriormente. “Noche de rosas” es un tema cantado en el idioma judío. Mayores detalles de mis apreciaciones están en discos anteriores. Interesados, hurgar.

El tema catorce nuevamente nos remite al amante y su canto. “El amor es un camino que de repente aparece” no solo describe al amor corriente, sino al universo que representa este término abstracto. No solo de pasión habla Jara, no solo de enamorados o parejas lujuriosas, no dice de novelas o remates a oscuras. Sino del amor universal, del creador, ese que se da sin esperar nada a cambio, el real.

El tema quince es la musicalización del poema de Neruda extraído del “20 poemas de amor y una canción desesperada”. “Poema XV” es para oírse, por ello eso recomiendo. Óyelo.

El tema dieciséis se denomina “Paloma quiero contarte”. Jara tiene la virtud de saltar de la declaración social al amor en forma impresionante. El tema reduce la soledad a las posibilidades del contenerse y metamorfosear a lo extrañado en una paloma declarada verde por los sentimientos.

El tema diecisiete es una canción en conjunto con Quilapayún. “Peoncito de mandiocal” es una canción de dormir para un niño aprisionado en la mayor estupidez humana: la esclavitud. Soñando la libertad, Jara la hace presente, latente, solidaria. Y el tema con toda su tristeza hace velos sobre las heridas.

El tema dieciocho finaliza las entregas de Víctor. “La remolienda (Pieza Uno)” es un tema íntegro en instrumentos y giros musicales vivos. Jara al mando de los instrumentos coordina una escalada y encalada de sueños.

Confiando que la entrega haya sido de tu agrado, finalizo los temas con el video de “Noche de rosas”, disfrútalo:

Neobarroso - Víctor Jara - Antología Barrosa

01.- El arado

02.- Oiga pues mijita

03.- El derecho de vivir en paz

04.- Manifiesto

05.- Te recuerdo Amanda

06.- Canción del árbol del olvido

07.- Qué alegres son las obreras

08.- Aquí te traigo una rosa

09.- El hombre es un creador

10.- Cuando voy al trabajo

11.- La luna siempre es muy linda

12.- En algún lugar del puerto

13.- Noche de rosas

14.- El amor es un camino que de repente aparece

15.- Poema 15

16.- Paloma quiero contarte

17.- Peoncito de mandiocal

18.- La remolienda (Pieza Uno)

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Neobarroso presenta el compilado Phonelist Vol. 2

2010-07-11T13:08:00.001-10:00

Oído a la música. Aquí estamos en una cuestión de supervivencia. Del buen gusto. Y oír necesariamente requiere de un juicio crítico. Yo te voy a demostrar que te pierdes de cosas importantes. Porque parte de un buen juicio está en la selección de rock que he compilado en el álbum que presento. He creído conveniente realizar otro compilado a razón de que mucha de esta música pervive no solo en mi mente sino en otros seres que conoce uno casi sin querer. Con este volumen 2 saludo atentamente a ciertas personas y ciertas circunstancias que hacen posible que estas personas logren convertirse en algo más que circunstancias. La curiosidad mató al gato. Y yo siento que a cada paso de estas canciones uno puede disfrutar de compañías, soledades, lo que gustes. Sin más, solo queda escuchar cada tema: van desde lo menos pop a lo más indie, desde alguna lenta a las más extrovertidas.

Neobarroso - Phonelist Vol. 2

1.- Animal Kingdom - Signs and wonders

2.- Blackbud – Heartbeat

3.- Catfish Haven - Let it go (got to grow)

4.- Broken Bells - The high road

5.- Future Islands - Vireo's Eye

6.- Matthew Sweet - Dark secret

7.- Portishead - All mine

8.- Puressence – Palisades

9.- Stabbing Westward – Shame

10.- The Cooper Temple Clause - Who needs enemies

11.- The Sundays - Here's where the story ends

12.- The Infadels - Can't get enough

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